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sábado, 17 de septiembre de 2011

Sobre el Taller de Estudio de Animal en el Proceso de Creación del Personaje

Sobre el Taller de Estudio de Animal en el Proceso de Creación del Personaje
Prof. Lisa Formosa Parmigiano, Miembro Vitalicio del Actors Studio

“Nunca es tan grande un actor como cuando te recuerda su actuación a la conducta de un animal”
Francois Truffaut




Cuando estrenó la película Midnight Cowboy, el New York Times señaló la actuación de Dustin Hoffman en el personaje de Ratso Rizzo diciendo que parecía como una “rata derrotada”. Diez años más tarde el mismo crítico hizo una observación muy similar sobre el trabajo de Robert DeNiro en el personaje de Jake LaMotta en la película Raging Bull. “No hay un minuto en la película donde DeNiro no se comporta como un animal. Ambos actores, prepararon meticulosamente sus personajes con animales muy específicos. Marlon Brando en su interpretación de Vito Corleone en la película The Godfather, trabajó a un bulldog que tenía un tiro en la garganta.
El Estudio del Animal en el Proceso de Creación del Personaje permite al actor crear una realidad física debajo del personaje. Libera al actor de su comportamiento cotidiano y da paso a la creación de un personaje único. Esta clase magistral enseñará las bases de este reconocido ejercicio desarrollado por Lee Strasberg y permitirá a los actores utilizar una forma innovadora de exploración del animal.


Sobre la Profesora Lisa Formosa Parmigiano

Vuelve a Chicago, después de vivir 10 años en Nueva York donde obtuvo su MFA en el Actors Studio Drama School el mayo d 1999 seguido fue seleccionada como Miembro Vitalicio del Actors Studio en marzo del año 2000. Fue artista invitada, profesora de la facultad y directora de admisiones del Actors Studio Drama School desde el año 2000 hasta el 2004.
En su trabajo profesional se ha enfocado en nuevos escritores, participando en el Ensemble Studio Theatre, The Writer’s Room y tuvo el privilegio de trabajar con Romulus Linny, James Ryan y Laura Maria Censebella. Mientras en Chicago fue fundadora y directora artística de Wild Life Theatre Company así como trabajó en Columbia College’s Department of Film & Video como Graduate Coordinator, profesora medio tiempo y directora del Festival de Illinois Film & Video Artists. En 1994, recibió el premio CityArts beca para artistas emergentes, y su grupo Wild Life, fue seleccionado como “El mejor del año” por el Chicago Sun-Times y el periódico Tribune. Ha sido profesora en talleres internacionales en Caracas, Venezuela y en Devon, Inglaterra.
Actualmente está nuevamente enseñando en la facultad de Film & Video del Columbia College y es directora de Educación en el Chicago Street Theatre en Valparaiso, donde está creando una escuela de teatro con la comunidad. En el Chicago Street, representó a la Hermana Eloisa en la obra “Duda” y recibió el premio de la mejor actriz principal por el Northwest Indiana Excellence de Theatre Foundation. Su último trabajo de dirección fue la obra “Frost/Nixon” y actualmente está trabajando en la obra de Joe Orton’s, What the Butler Saw. En 20 años de actividad teatral, ha enseñado, dirigido y actuado en alrededor de 50 producciones.


Su Filosofía de Trabajo

"Mi trabajo nace de la convicción de que es necesario y vital enseñar dos fases en todo trabajo creativo dentro del teatro. Enfatizando “volver a casa”, y dándole mucha más importancia, que “llegar allá”. El punto de partida y la corriente soterrada en mi trabajo está basado en clarificar e iluminar la diferencia, normalmente nublada, entre “utilizarse” y “perderse”. Ese para mi, es el propósito de un sistema o método de entrenamiento, y la diferencia entre la expresión creativa y la indulgencia peligrosa. Creo que la actuación requiere de exploración y observación de la condición humana, incluyendo los efectos del medio ambiente. Esto requiere de una gran capacidad de escuchar, generosidad y disciplina. Creo que es esencial un balance entre la crítica constructiva y el apoyo para crear un ambiente en la clase basado en la confianza y conducirlo hasta una desinhibida exploración y toma de riesgos. Creo que es necesario crear un pensamiento crítico y significativo para que los nuevos talentos aprendan cómo evaluar su propio proceso/progreso y sepan cómo comprometerse activamente en un genuino intercambio constructivo. Creo que es fundamental cuando los nuevos talentos son alentados a descubrir y definir su lugar y responsabilidad en su comunidad y el mundo. Creo que la colaboración es lo fundamental de un verdadero y excepcional trabajo teatral y debe ser fomentada todo el tiempo e inspirada con el ejemplo. Creo que necesitamos del teatro y las artes ahora más que nunca y que es nuestra responsabilidad como educadores y artistas asegurar su florecimiento. Creo que es la responsabilidad mantener el protocolo profesional y cortesía colegial todo el tiempo, a pesar de las diferencias artísticas y personales.

El estudio de la Actuación es un viaje y como tal, utilizo esta analogía. Le pido a los estudiantes que se preparen para el viaje empacando una maleta metafórica. Yo tengo la mía llena de pasión, una colección de diversas influencias y experiencias – un pedazo de todos con quienes he estudiado, trabajado, leído y observado; mis descubrimientos personales, momentos de inspiración, accidentes, paciencia, comprensión y compasión.
A todos les pido que simultáneamente empaquen compromiso, disciplina, respeto y valor. El viaje en sí mismo incluye el aprendizaje de las técnicas fundacionales a las cuales me refiero, como la leyenda de un mapa. Creo que si aprendes las técnicas necesarias para interpretar una leyenda de un mapa, puedes leer cualquier mapa, viajar en cualquier terreno y lo más importante, siempre saber navegar en tu camino de regreso a casa."


Orientación e Introducción al Taller

Todos los actores deben tener un monólogo del personaje escogido, sacado de una obra de teatro, no mayor de 3 minutos y un animal escogido que sientan que contiene dicho personaje. Sólo hay una norma en la escogencia del animal: No se permite traer un pez o un animal que sólo viva en el agua. Deben además traer una lista de 3 similitudes que tengan con ese animal y 3 diferencias que signifiquen un reto para el actor. Debemos considerar que todos somos depredadores naturales y posibles parejas, dependiendo de los animales escogidos. Todos los actores deben hacer su investigación ANTES de comenzar el taller, lo que significa que deben registrarse para el 1 de Noviembre.

La investigación debe cubrir las siguientes áreas:

Habitad del animal (cómo vive y cómo duerme) si es parte de una manada o vive en un ambiente solitario.
Cómo se aparean y cómo procrean
Cómo cuidan a sus crías
Cómo cazan y cómo comen.
Cómo se defienden cuando los retan
Qué sonidos emiten y por cuáles razones

Sesiones

Sábado 26 de noviembre
Conferencia sobre El Método utilizado en el Actors Studio
Prof. Lisa Formosa
Sala 2 Celarg
11 am a 1 pm
entrada libre

Domingo 27 de noviembre
Orientación / Introducción 10 a 2 pm

Lunes 28 de noviembre
Movimiento del animal, creación del espacio de descanso,
el nido. Inicio al trabajo de los sonidos. Al final del día los animales nacerán. 9 a 5 pm

Martes 29 de noviembre
Interacción de los animales con parejas imaginarias, exploración con las crías. Comienzo de interacción con otros animales en clase. Enfocándose en la vida interior de los animales a través del movimiento y el sonido. 9 a 5 pm

Miércoles 30 de noviembre
La sesión de la mañana estará enfocada en la creación de la confrontación. La sesión de la tarde se guiará al actor en el ejercicio de “Matar” en un reto imaginario con animales de su especie en una batalla física. Más adelante en el taller de explicará con mayor profundidad. 9 a 5 pm

Jueves 1 de diciembre
La sesión de la mañana se enfocará en las trampas para cada animal de manera que tengan la necesidad de decir una palabra. La sesión de la tarde se enfocará en la evolución del animal al personaje escogido. 9 a 5 pm

Viernes 2 de diciembre
La sesión de la mañana se enfocará en una mayor evolución física y vocal del personaje y la de la tarde en una entrevista al personaje. 9 a 5 pm

Sábado 3 de diciembre
La sesión de la mañana se enfocará en compartir los monólogos y la sesión de la tarde en la interacción a través de improvisaciones. Emocionalmente la sesión terminará con un ritual de la muerte de cada animal. 9 a 5 pm

Lugar: Casa Rómulo Gallegos / Celarg / Altamira, Caracas
Cupos: 30 Participantes 1800 Bs. y 30 Observadores 1000 Bs.

Para reservaciones, enviar resume: gimnasiodeactores@gmail.com


los esperamos!




viernes, 9 de septiembre de 2011

Reflexión sobre "Un Tranvía Llamado Deseo" y "La Rosa Tatuada" de Tennessee Williams






Todos de alguna u otra manera buscamos la libertad, tratamos de escabullirnos de las normas a través de infinitas formas y escondites. Es el antagonismo al poder lo que impulsa la creatividad. Sin embargo, el camino tiene sus trampas, sus tentaciones que seducen y adormecen el alma coartándo nuestro propósito en la vida, quitándole luz, entusiasmo. Es allí donde, en medio de la angustia, nos dejamos vencer, sentimos vergüenza de lo que somos y como diría el padre Alexis Bastidas: " Confundimos confort con paz". Tennessee Williams no es una persona con la que me hubiese gustado ir de fiesta. Me asusta de sólo pensarlo. Pero su poesía descarnada me inspira a querer ser mejor persona y sentir empatía con el otro. Finalmente es de eso de lo que se trata. En su autobiografía se pregunta: "¿Qué es un escritor? Yo podría decir que es como ser libre. Sé que algunos escritores no son libres, son profesionales empleados, que es una cosa muy distinta... Me refiero a la libertad de ser. Alguien sabiamente dijo: " Si no puedes ser tú mismo, ¿para qué quieres ser del todo?"" Esta reflexión me lleva a pensar en un abismo. La vida de Williams rozó bordes que temo vivir. El deseo extremo que se vuelve violencia, el vicio que se entrega y juega a la muerte y la locura que es encierro. En el Tranvía Llamado Deseo, muestra un tranvía de una parada sin retorno. Es una partida de póker donde todo lo que se és se apuesta. En este caso no hay escape. Pero, ¿quién se escapa de sus miedos? Lo mejor entonces es exponerlos a la luz y sin vergüenza alguna, como Williams, conseguir la libertad a través del ser.


La sinceridad con que escribe sus personajes conmueve y muestra la cara honesta de su país. Su dramaturgia se centra en los excluidos su sociedad, aquellos que nadie quiere ver y una vez expuestos por su poesía brillan y nos afectan profundamente. Es como un espejo que expone un dolor común, familiar que puede reflejar a un extranjero, a un marginado, a un distinto, en cualquiera de nuestros países de la América toda. Un cristal donde todos nos podemos ver. Entonces, así como el maíz que comen y han comido nuestros indígenas desde el Canadá hasta la Patagonia, así Williams brinda una conexión que va mucho mas del idioma. “La Rosa Tatuada” es una invitación a segunda oportunidad – que muchas veces hemos necesitado – para encontrar vínculos a través del amor.

jueves, 1 de septiembre de 2011

Uta Hagen






























Uta Hagen
De Wikipedia, la enciclopedia libre
Uta Hagen




actriz, directora, maestra de actores

José Ferrer (1938-1948)Herbert Bergdorf (1957-1990)
Hijo/s Leticia
Uta Thyra Hagen (12 de junio de 1919, Göttingen- 14 de enero de 2004, Nueva York) fue una legendaria maestra de actores y actriz tres veces ganadora del Premio Tony de origen alemán naturalizada estadounidense. Hija del historiador de arte Oskar Hagen y la cantante de ópera Thyra Leisner, su familia emigró a Estados Unidos en 1924. Creció en Madison (Wisconsin) y en 1937 se estableció en Nueva York. Debutó en 1937 como Ofelia de Hamlet en Dennis, Massachusetts en la compañía de Eva Le Gallienne seguida por Nina de La gaviota de Antón Chéjov y Santa Juana de George Bernard Shaw. En Broadway fue Desdémona para el Otello de Paul Robeson junto a su marido de entonces José Ferrer como Iago. Por su relación profesional y personal con Paul Robeson integró la lista negra de Hollywood y su carrera cinematográfica se vio severamente afectada. No obstante, fue en teatro que conquistó la fama y originó el papel de Martha en 1963 en la premiere de Broadway de Who's Afraid of Virginia Woolf? de Edward Albee y posteriormente en Londres. Encarnó a Blanche DuBois de Un tranvía llamado deseo sucediendo a Jessica Tandy en la gira dirigida por Harold Clurman junto a Marlon Brando y luego Anthony Quinn. En 1951 ganó el Premio Tony por The country girl de Clifford Odets y en 1963 por Quien le teme a Virginia Woolf?. En 1999 recibió su tercero en homenaje a su larga carrera. Desde 1947 se destacó como maestra de actores en el Estudio HB en Greenwich Village de Nueva York, entre sus alumnos se cuentan Matthew Broderick, Christine Lahti, Jason Robards, Sigourney Weaver, Liza Minnelli, Whoopi Goldberg, Jack Lemmon, Debbie Allen y Al Pacino. Escribió dos libros fundamentales en las técnicas de actuación Respect for Acting (1973) y A Challenge for the Actor (1991) y también un libro de cocina Love for Cooking en 1976.
En 2002, fue condecorada con la Medalla de las Artes por el presidente George W. Bush en la Casa Blanca. Originados en las técnicas actorales de Stanislavski, Uta Hagen es considerada una de las grandes profesoras de actores contemporáneos junto a Michael Chekhov, Lee Strasberg y Stella Adler.

Vida personal
En 1938 se casó con José Ferrer con quien tuvo su hija Leticia (Lettie) Ferrer. Se divorciaron en 1948 supuestamente por su relación con Paul Robeson. Se casó en 1957 con el actor y maestro de actores Herbert Berghof con quien permaneció hasta la muerte de él en 1990.


Film
The Other - 1972
The Boys from Brazil - 1978
A Doctor's Story - 1984
Reversal of Fortune - 1990
Limón: A Life Beyond Words - 2001


Televisión
Victory - 1945
A Month in the Country - 1959
The Day Before Sunday - 1970
Seasonal Differences - 1987
The Sunset Gang - 1991

Bibliografía

Brestoff, Richard (1995). The Great Acting Teachers and Their Methods. Smith & Kraus. ISBN 978-1-57525-012-0.

Referencias

Port of New York, passenger list of the S.S. Luetzow, September 4, 1924, sheet 41.
"Lady Invincible", Wisconsin Academy Review, vol. 46, issue 4, Fall 2000.
«HB Studio in New York».
Hagen, Uta 1991. A Challenge for the Actor. New York: Scribner's. ISBN 0-684-19040-0
Interview in playbill.com
«YouTube - Uta Hagen's Acting Class».
[Brestoff, Richard (1995). The Great Acting Teachers and Their Methods. Smith & Kraus. ISBN 978-1-57525-012-0].


Versión en Inglés

Uta Thyra Hagen (12 June 1919 – 14 January 2004) was a German-born American actress and drama teacher. She originated the role of Martha in the 1963 Broadway premiere of Who's Afraid of Virginia Woolf? by Edward Albee (who called her "a profoundly truthful actress"). Hagen was on the Hollywood blacklist, in part because of her association with Paul Robeson, and this curtailed film opportunities, focusing her to perform in New York theaters. She won the Tony Award three times. She later became a highly influential acting teacher at New York's Herbert Berghof Studio and authored best-selling acting texts, Respect for Acting, with Haskel Frankel, and A Challenge for the Actor. She was elected to the American Theatre Hall of Fame in 1981.

Life and career

Early life

Born in Göttingen, Germany, Hagen and her family emigrated to the United States in 1924, when her father received a position at Cornell University.[3] She was raised in Madison, Wisconsin. She appeared in productions of the University of Wisconsin High School and in summer stock productions of the Wisconsin Players. She studied acting briefly at the Royal Academy of Dramatic Art in 1936.[4] After spending one semester at the University of Wisconsin, where her father was the head of the department of art history, she left for New York City in 1937.[5] Her first professional role was as Ophelia opposite Eva Le Gallienne in the title role of Hamlet in Dennis, Massachusetts in 1937.


Career
Hagen was cast, early on, as Ophelia by the actress-manager Eva LeGallienne. From there, Hagen went on to play the leading ingenue role of Nina in a Broadway production of Anton Chekhov's The Seagull which featured Alfred Lunt and Lynn Fontanne. It was 1938; Hagen was just 18. This experience left an indelible mark on the young actress, as she later reflected, "My next job was Nina in The Seagull, [her Broadway bow] with the Lunts, on Broadway. That sounds incredible, too. They were an enormous influence on my life." She admired "their passion for the theatre, and their discipline. It was a 24-hour-a-day affair, and I never forgot it—never!" The New York Times' critic Brooks Atkinson hailed her Nina as "grace and aspiration incarnate". She would go on to play George Bernard Shaw's Saint Joan (1951) on Broadway, and Desdemona in a production which toured and played Broadway, featuring Paul Robeson as Shakespeare's Othello and her then-husband Jose Ferrer as Iago. She took over the role of Blanche DuBois in A Streetcar Named Desire for the national tour, which was directed not by Elia Kazan who had directed the Broadway production but by Harold Clurman. Hagen had had a revelatory experience when she first worked with Clurman in 1947. In Respect for Acting, she credited her discoveries with Clurman as the springboard for what she would later explore with her husband Herbert Berghof: "how to find a true technique of acting, how to make a character flow through me". She played Blanche (on the road and on Broadway) opposite at least four different Stanley Kowalskis, including Anthony Quinn and Marlon Brando. Through interviews with her and contemporary criticism, the report is that Hagen's Blanche refocused the audience's sympathies with Blanche rather than with Stanley (where the Brando/Kazan production had leaned). Primarily noted for stage roles, Hagen won her first Tony Award in 1951 for her performance as the self-sacrificing wife Georgie in Clifford Odets' The Country Girl. She won again in 1963 for originating the role of the "I-wear-the-pants-in-this-family-because-somebody's-got-to" Martha in Edward Albee's Who's Afraid of Virginia Woolf?. (An original cast recording was made of this show.) In 1981 she was elected to the American Theatre Hall of Fame and in 1999 received a "Special Lifetime Achievement Tony Award".
Hagen considered the period between 1938 and 1947 as the transitional years of my career, during which I lost my way and a love of acting until I finally regained it to begin a true life in the theater." Although she appeared in some movies, because of the Hollywood blacklist she had more limited output in film and on television, not making her cinematic debut until 1972. She would later comment about being blacklisted, "that fact kept me pure". Although Hagen played a character with a German accent in one of her best-known Hollywood films, The Boys from Brazil, in which her scene is with Laurence Olivier, and a Russian accent in The Other, she had simply assumed the accent for those roles (Hagen was raised in Wisconsin). She was nominated for a Daytime Emmy Award as "Outstanding Supporting Actress in a Drama Series" for her performance on the television soap opera One Life to Live. She taught at HB Studio, a well-known New York City acting school on a cobblestone, tree-shaded street in the West Village. She began there in 1947, and married its co-founder, Herbert Berghof, on January 25, 1957. Later in her life, Hagen undertook a return to the stage, earning accolades for leading roles in Mrs. Warren's Profession (1985), Collected Stories, and Mrs. Klein. After Berghof's death in 1990 she became the school's chairperson.

Hagen was an influential acting teacher who taught, among others, Matthew Broderick, Christine Lahti, Amanda Peet, Jason Robards, Sigourney Weaver, Liza Minnelli, Whoopi Goldberg, Jack Lemmon, Charles Nelson Reilly, Manu Tupou, Debbie Allen and Al Pacino. She was a voice coach to Judy Garland, teaching a German accent, for the picture Judgment at Nuremberg.[citation needed] Garland's performance earned her an Academy Award nomination. She also wrote Respect for Acting (1973) and A Challenge for the Actor (1991), which advocate realistic acting (as opposed to pre-determined "formalistic" acting). In her mode of realism, the actor puts his own psyche to use in finding identification with the role," trusting that a form will result. In Respect for Acting, Hagen credited director Harold Clurman with a turn-around in her perspective on acting: "In 1947, I worked in a play under the direction of Harold Clurman. He opened a new world in the professional theatre for me. He took away my 'tricks'. He imposed no line readings, no gestures, no positions on the actors. At first I floundered badly because for many years I had become accustomed to using specific outer directions as the material from which to construct the mask for my character, the mask behind which I would hide throughout the performance. Mr Clurman refused to accept a mask. He demanded ME in the role. My love of acting was slowly reawakened as I began to deal with a strange new technique of evolving in the character. I was not allowed to begin with, or concern myself at any time with, a preconceived form. I was assured that a form would result from the work we were doing." Hagen later "disassociated" herself from her first book, Respect for Acting. In Challenge for the Actor she redefined a term which she had initially called "substitution", an esoteric technique for alchemizing elements of an actor's life with his/her character work, calling it "transference" instead. Though Hagen wrote that the actor should identify the character they play with feelings and circumstances from their (the actor's) own life, she also makes clear that
"Thoughts and feelings are suspended in a vacuum unless they instigate and feed the selected actions, and it is the characters' actions which reveal the character in the play."
Respect for Acting is used as a textbook for many college acting classes. She also wrote a 1976 cookbook, Love for Cooking. In 2002, she was awarded the National Medal of the Arts by President George W. Bush at a ceremony held at the White House.
In 2001, Hagen released a video entitled Uta Hagen's Acting Class, a two-part set that captures her master classes.

Personal life

She married José Ferrer in 1938, with whom she had a daughter, Leticia (Lettie) Ferrer, an actor in New York City. They divorced in 1948 partially because of her affair with her Othello co-star Paul Robeson, an affair which was long concealed. She was married to the actor and teacher and director Herbert Berghof from 1957 until his death in 1990. At his death, she said, "You know, we were partners in our work, in everything. We did everything together. Very few people understand what that kind of a loss is like."


lunes, 1 de agosto de 2011

Fotos del Showcase XI

Fernando Azpurua
















Yeanet Lopez Raidi























Teo Gutierrez



























Ray Torres





















Naya Jimenez


















Guillermo De La Rosa

















Gabriela Mata
















Cindy Candosin
















Alexandra Vivas Guitard


















Alejandro Grossman





















jueves, 2 de junio de 2011

Conversacion imaginaria entre Susan Batson y David Mamet



SUSAN BATSON VS.


DAVID MAMET

I assigned my class at the Prague Film School to read Susan Batson'sTruth and David Mamet's True and False. These are both great books, by the way, and all actors should read them. As you may know, Susan Batson is the acting coach for the likes of Nicole Kidman, and Juliette Binoche, and David Mamet is the award-winning writer and director.

It was a fun juxtoposition because they are so different in their point of view about acting, and actor training. One of my students, Ben Palacios, has given me permission to post his imaginary debate between the two of them here:

TRUTH, by Susan Batson

TRUE AND FALSE, by David Mamet

I can imagine a discourse between Batson and Mamet, which goes something like this…

Mamet:

You’re a fraud. Life in the studio is not acting. All you do is take up the energy and time of a privileged class of people who’d like to call themselves “actors”.

Batson:

I see you have trouble trusting people, David. Why is your Public Persona so abrasive and untrusting? This suggests to me that your Need is to be cared for.

Mamet:

No. My need (with a lowercase ‘n’) is for actors to stop trying to learn their craft from so-called teachers like you – and your cultish nonsense, and learn it where they should: in the arena.

Batson:

I give actors the tools to foster their acting through a belief system. I think we’ll both agree that playing at a feeling or sensation won’t reach an audience. You have to believe it. That’s where I come in. In your play, Oleanna, did Carol not truly believe that John had sexually assaulted her?

Mamet:

Carol and John do not exist; they are mere words on a page. I hate it when people ask me stuff about my plays as if they actually happened and I was the only witness. All right, let’s get this straight: belief only induces self-deception. You’re training people to deceive themselves, when they should just accept the circumstances of their situation as an actor on stage. That takes real courage. As I said: You’re a fraud.

Batson:

But I taught Nicole Kidman, who’s a great actress.

Mamet:

She was a very good actress before she met you. She is one now in spite of you. That – I’m impressed by. And Great Actors or Actresses only exist to fulfil the cultural need for one. And honestly… she’s not that great.

Batson:

All right Bucko, what do you give actors? A lack of preparedness? …at least I give them something to believe in.

Mamet:

Again with the belief! That ‘lack of preparedness’ is how we spend our lives. That’s the real Truth – with a capital ‘T’. That’s what’s interesting to watch.

Batson:

I disagree.

Mamet:

I knew you would.

Batson:

Fine. Goodbye… Come on, Nicole.


Tomado de la pagina http://nancybishopcasting.blogspot.com/2009/12/susan-batson-vs-david-mamet.html

Susan Batson




Synopsis

Like all great performers, Nicole Kidman approached her role in The Hours as a creative collaboration. Kidman knew that portraying Virginia Woolf on screen required a truth that she as the actor and Wolff as the character shared. Enter acting "alchemist" and "technician of the spirit" (The New Yorker) Susan Batson. Batson's process gave Kidman the tools to find that truth and honed her performance from the inside out. She won an Oscar for her work.

In Truth, the most sought after acting guru in Hollywood and on Broadway distills her half century's experience as an actor, teacher, and personal coach into a step by step process for creating a character from first read through to final performance.

Debunking a century's worth of myths about "method acting," Batson identifies the unifying forces of Need, Public Persona, and Tragic Flaw to unite the actor with his or her character. Need is the primal, unfulfilled desire that a character's Public Persona hides. Tragic Flaw is the confrontational dramatic behavior that erupts when the character's Need and Public Persona clash. Truth shows how actively defining and understanding these three principals leads to the most truthful performances possible.

A must-read for beginning actors, a wake-up call for working actors, and an indispensable reference for writers, Truth reveals the inner game of telling stories and creating vivid, three dimensional life out of words.

Biography

Susan Batson and her New York and Los Angeles based Black Nexxus acting school have been profiled in the New Yorker, the New York Times, Variety, the Hollywood Reporter, and Backstage. A protégé of theater legends Joe Papp and Harold Clurman, Batson is a member of the Actor's Studio. Her work on stage was recognized with a New York Drama Critics Award, an LA Drama Critics Award, and an Obie.

As a coach, Susan Batson has consulted with actors Nicole Kidman, Juliet Binoche, Tom Cruise, Chris Rock, Jamie Foxx, Jennifer Lopez, Jennifer Connolly, Liv Tyler, and director Spike Lee. She was a producer of the hugely successful Broadway revival of A Raisin in the Sun, starring Sean Combs.

Susan Batson was born in Roxbury, Massachusetts and now makes her home in Manhattan.

miércoles, 25 de mayo de 2011

SHOWCASE 11






El 20 de Julio es nuestro SHOWCASE 11



Estamos preparándonos con escenas de "El Diario de Anna Frank" de France Goodrich y Albert Hackett, "Chuo Gil" de Arturo Uslar Pietri, "La Gata sobre el Tejado de Zinc Caliente" de Tennessee Williams, "El Zoológico de Cristal" de Tennessee Williams, "Ternura Molotov" de Gustavo Ott, "El Americano Ilustrado" de José Ignacio Cabrujas, "Panorama desde el Puente" de Arthur Miller, "Hogar Dulce Hogar" de Teo Gutierrez.



Están invitados todos los directores de casting, cine, teatro, comerciales y escritores interesados



RSVP gimansiodeactores@gmail.com

jueves, 17 de marzo de 2011

Gimnasio de Actores


El Gimnasio de Actores es un taller que quiere ser una escuela y funciona como tal. Todos los martes y miércoles de 6 a 10 de la noche un grupo de aproximadamente 15 actores profesionales o en vías de, acuden al Banco del Libro en Altamira donde funciona desde sus inicios en febrero del 2005. Allí trabajan sus personajes a partir de obras de teatro, clásicas, contemporáneas y venezolanas. Algunos actores desarrollan sus propios textos dramáticos. Monólogos, escenas, ejercicios, documentales, películas y clases teóricas son parte de la cotidianidad del espacio. El principio del Gimnasio de Actores es que “un actor es un lector”, entonces es obligada la lectura de obras teatrales como base de estudio. Uno de sus puntos más álgidos es la controversia. Hay una búsqueda de incentivar a los actores a emitir opiniones propias sobre temas de interés nacional o internacional. No se busca consenso sino disenso. No necesitamos estar de acuerdo, sólo necesitamos escucharnos y hacernos escuchar. Se busca motivar la toma de decisiones de los actores, desarrollar la consciencia de lo que nos afecta, de lo bueno y lo malo que sucede a nuestro alrededor; de manera que surjan del espacio voces contestatarias que despierten la reflexión del colectivo. Un actor está en la escena tomando decisiones constantemente, lo mismo ocurre con los personajes. Estas ideas asociadas con la fuerza de los textos dramáticos son la semilla de la “indignación creadora” que debe prevalecer en cada artista. La idea de su creación surge de una promesa que le hice a Juan Bautista La Salle en el año 2001 para culminar con bien mis estudios de Postgrado en el Actors Studio Drama School en la ciudad de Nueva York. Cumplió y a cambio le prometí que iba a compartir en mi país, Venezuela, todo lo que aprendiera de esa experiencia vivida.


Dos veces al año el Gimnasio de Actores realiza Showcases; que consisten en muestras privadas de escenas y monólogos. Un evento sencillo que permite a los actores entrar en el mercado laboral, conocer y relacionarse directamente con directores de teatro, de cine y televisión. Para este evento los actores realizan su currículum vitae y adquieren sus primeras fotos (headshots) realizadas en blanco y negro, sencillas, rostro y mirada sincera, tomadas por la fotógrafa Elisa Quero. Para este año 2011, llevamos 10 eventos de este tipo y los resultados son excelentes. El Showcase del Gimnasio de Actores da empleo. También dos veces al año, los actores reciben una evaluación cualitativa e impresa que les sirve de referencia dentro de su proceso de crecimiento actoral. Todos los actores tenemos “músculos” distintos que desarrollar dentro del trabajo escénico. Concentración, Fe en las circunstancias que se vive en la escena, relajación, anticipación, comprensión de las dimensiones de los conflictos que plantean las obras teatrales estudiadas, disciplina, capacidad autocrítica, capacidad de ser dirigidos, capacidad de relacionarnos con nuestros compañeros son algunos los puntos que incluye esta evaluación, cuyo objetivo es incentivar el estudio sincero y riguroso de la profesión.


El Gimnasio de Actores tiene un vínculo natural con el Actors Studio y lo reafirma cada año con invitaciones que realiza a las profesoras Lisa Formosa Parmigiano y Jeneffa Soldatic, Miembros Vitalicios del Actors Studio, quienes vienen a Venezuela e imparten talleres de actuación y dirección desde el año 2001. Talleres que hemos titulado “Trabajo de Escena Intensivos” que tienen como propósito motivar el estudio riguroso del trabajo del actor. Desde el año 2006 el Gimnasio de Actores está creando sus propias producciones teatrales comenzando con el ciclo de lecturas de la obra “La Rosa Tatuada” de Tennessee Williams, “Guantánamo: Atados al Honor para Defender la Libertad” de William Slovo y Victoria Britain, seguidos de las producciones de obras teatrales como “La Duda” de John Patrick Shanley, “No Hay Barcos en Chacao” en versión de la obra “Danny and the Deep Blue Sea” de John Patrick Shanley, "Cuando el Tiempo Descubrio su Poder" de Matilda Corral y “Realidad Virtual” de Alan Arkin. El trabajo que se realiza en el Gimnasio de Actores está sustentado teóricamente en Susan Batson, Uta Hagen, Stella Adler, William Ball, Len Silver, Frank Hauser, Russel Reich, Sanford Meisner, Michael Chejov, Lee Strasberg, Jerzy Grotowsky y Constantin Stanislavsky. Prácticamente a las enseñanzas que he recibido de profesores que inspiran este espacio: Verónica Artigas, Santiago Sánchez, Miguel Issa, Leyson Ponce, Diana Peñalver, Angélica Escalona además de Jack Gelber, Andreas Manolikakis, Sam Schacht, Lee Grant, Estelle Parsons, Jutka Devenyi, Gregory Lamar y James Lipton. A todos ellos les agradezco inmensamente sus enseñanzas. Matilda Corral www.gimnasiodeactores.blogspot.com gimnasiodeactores@gmail.com

sábado, 29 de enero de 2011

Lo colectivo como aprendizaje interior

Publicado el enero 28, 2011


¿Qué quiere decir un actor? ¿Cuáles son nuestras motivaciones como individuos? ¿Qué pretendemos hacer en conjunto?
Contestar estas y otras preguntas más fue el objetivo del Gimnasio de Actores al ofrecer durante una semana de sesiones, específicamente en las noches del 17 al 21 de enero del 2011.






Para lograr esta tarea, Sarah Ashford Hart fue la facilitadora de un taller utilizando el método del Devised Theatre (Teatro Ideado), que es una creación escénica donde los procedimientos se encuentran en la particularidad de cada participante, su contexto específico y el diálogo con la realidad. El énfasis se concentra en el proceso en cada una de sus etapas y en la colaboración, exento de las jerarquías y roles del teatro clásico. Buscando entre preguntas y respuestas la relación entre diversas manifestaciones artísticas.

Sarah Ashford Hart


Sarah Ashford Hart es directora y actriz de teatro. Ha trabajado y estudiado en Nueva Escocia, Florida, Nueva York, Dublín, Moscú, e Inglaterra. Estudió en el Centro de Samuel Beckett en Dublín y en la Escuela de Arte de Moscú. Culminó sus estudios de Movimiento en el Instituto Boris Schukin de Moscú y completó una Maestría en Artes en ‘Devised Theatre’ en la Escuela de Artes de Dartington en Inglaterra.


Sobre su tarea en este taller, Hart comentó que este teatro “Devised” le ha permitido explorar técnicas participativas que permiten compartir historias que generan dialogo social y que el énfasis se concentra en el proceso de búsqueda de preguntas y respuestas con relación a la creación multifuncional, siendo el artista un pensador y aprendiz que desarrolla durante su vida, su creatividad.


Lo interesante de esta técnica, que si bien no es nueva ni en el mundo ni en Venezuela, hay grupos que tienen años experimentando con la creación colectiva para sus montajes – como el grupo Altosf, es que el fin de este taller específico no era la creación de una obra final, aunque sí mostraron un ejercicio de culminación, sino dejar en los participantes una herramienta más que les permita crear sus personajes y establecer sus propios procesos creativos, partiendo del interior de cada uno.


Al ser un taller de tan pocos días, la dinámica, de acuerdo al esquema planteado por Hart comenzó por lo más sencillo y evidente, Sarah Ashford Hart y Matilda Corral aunque no siempre fácil de lograr, que es presentarse en el grupo, a manera de romper el hielo. El siguiente paso de esta experiencia del Devised Theatre fue la relación con su entorno, y qué reacciones generaba en los participantes el hecho de estar rodeados de libros, tomando en cuenta que el taller fue realizado en el Banco del Libro. La relación espacio – libros permitió una mayor relación, ya que comenzaron a usar elementos para comunicar ideas, y experiencias entre ellos dando rienda suelta a la imaginación para crear personajes y contar historias. La anarquía es parte de este tipo de proceso, donde se deja – en un principio – el libre albedrio suelto, pero luego es importante comenzar a dar formas a esas lluvias de ideas y de creatividades. Este es el siguiente paso dentro del Devised Theatre, darle una historia a toda la creatividad demostrada por los integrantes del taller.

Matilda Corral


Este método de trabajo busca, de acuerdo a Matilda Corral, directora e instructora del Gimnasio de Actores, incrementar las opciones de espacios para la profesionalización de los actores, e incluso de quienes no son actores porque les da herramientas de conocimiento personal para la vida diaria. O al menos, esa es mi Visión Particular.



tomado de http://franciscolizarazo64.wordpress.com/